booklet

2 Construction / Konstruktion, um 1945
Buchenholzstäbe, weiße Farbe, Holz
Collection Sabine Meiche

4 Construction murale / Wandkonstruktion, 1948 
Eisen, bemalt 
Estate of Isabelle Waldberg

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs kehrt Waldberg mit ihrem Sohn Michel nach Paris zurück, während ihr Ehemann noch eine Zeit lang in den USA bleibt. Mehrfach schreibt sie ihm dorthin, er möge doch Buchenzweige für ihre Constructions mit nach Frankreich bringen. Zugleich beginnt sie jedoch, ihre Konstruktionen auch aus Eisenstäben zu kreieren. 
Nachdem Waldberg bereits in New York an wichtigen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst teilgenommen hat, beteiligt sie sich im Jahr 1947 – ebenso wie Maria Martins – an der bedeutenden Surrealismusausstellung Exposition internationale du surréalisme in der Galerie Maeght, Paris.

6 Suivi de ... / Gefolgt von ..., 1958 Bronze Fonds de dotation Jean-Jacques Lebel

In den 1950er-Jahren wandelt sich Waldbergs Formensprache. Die nun entstehenden Bronzeplastiken wecken zum Teil Assoziationen an Figürliches. So erinnert Suivi de … an eine schreitende Figur. Die grazile Form knüpft noch eher an Waldbergs Arbeiten der vorangegangenen Jahre an. Ihre Werke werden von nun an voluminöser und kraftvoller.

8 Agarien 1er / Agarier 1, 1958 Bronze Estate of Isabelle Waldberg

Audioguide #5
 

10 L’étude pour l’écritoire / Studie für ein Schreibpult, 1962 
Ed. 3, Bronze 
Fonds de dotation Jean-Jacques Lebel

12 Le palais rose / Der rosa Palast, 1963 
Gips, patiniert 
Collection Mahoudeau

14 Skulptur (ohne Titel), um 1965 
Gips, bemalt 
Estate of Isabelle Waldberg

16 Glyptothèque / Glyptothek, um 1967 
Bronze 
Estate of Isabelle Waldberg

Waldbergs Arbeiten beschäftigen sich mit elementaren anthropologischen Themen und sind voller Anspielungen auf Geschichte und Literatur. Eine Reihe von gehäuseartigen Skulpturen wie Glyptothèque befassen sich mit dem Gegensatz von Volumen und Leere. Sie wirken einerseits archaisch, besitzen aber zugleich überzeitlichen Charakter.
Aufgewachsen in einfachen Verhältnissen, zählt Waldberg im Paris der Nachkriegszeit zu den wichtigsten Intellektuellen, sowohl durch ihre Kunst als auch durch ihre publizistische Tätigkeit.

Audioguide #7

18 Portrait de / Porträt von Robert Lebel, 1967 
Bronze
Estate of Isabelle Waldberg

20 Skulptur (ohne Titel), 1969 
Bronze 
Collection Mahoudeau

22 Atelier Rue Larrey, um 1970 
Gouache auf Papier 
Estate of Isabelle Waldberg

24 Skizzenbuch, um 1970 
19 Gouachen auf Papier 
Estate of Isabelle Waldberg

26 Le couple ou Orant / Das Paar oder Betender, 1970 
Bronze 
Estate of Isabelle Waldberg

28 La face visible / Das sichtbare Gesicht, 1972 
Bronze 
Musée d’art moderne de la Ville de Paris, 
Inv. AMVP 2854

Seit den 1950er-Jahren schafft Waldberg sowohl naturnahe Porträts ihrer Freund:innen als auch abstrakte Bildnisse wie La face visible. Der ausdrucksstarke Kopf ist ein Beispiel für eines ihrer „innerlichen Porträts“, hier ihres langjährigen Weggefährten Robert Lebel. Das aufgerissene Auge ist zugleich „gefräßig“ auf die Außenwelt gerichtet und Einfallstor für Verletzungen. Das zweite Auge und der Mund sind durch Schilder verdeckt. 
Die Lebensphase der Künstlerin, in der dieses Werk entsteht, ist von öffentlicher Anerkennung geprägt: Waldberg hat zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen, sie erhält Preise und Ehrungen. 1973 wird Waldberg als erste Professorin für Bildhauerei an die École des Beaux-Arts in Paris berufen. Hier baut sie noch einmal ein neues Netzwerk mit den jungen Studierenden der Akademie auf.

30 Delescluze descend vers le Château d’Eau / Delescluze steigt zum Château d’Eau hinab, 1973 
Bronze 
Collection Mahoudeau

32 La nature morte / Stillleben, 1974 
Bronze 
Collection Samsovici – Gauthier

34 Mausolée / Mausoleum, 1978 
Bronze 
Centre national des arts plastiques (France), 
Inv. FNAC 10079

36 Le casque / Der Helm, 1978 
Gips, patiniert 
Estate of Isabelle Waldberg

38 La draisienne / Die Draisine, 1980 
Bronze 
Estate of Isabelle Waldberg

40 Two in One / Zwei in einem, 1984 
Bronze, patiniert 
Fonds de dotation Jean-Jacques Lebel

43 To levende væsener / Zwei lebende Wesen, 1935 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

45 Fugl med unge / Vogel mit Jungem, 1935 
Gips 
Estate Ferlov Mancoba

47 Maskeskulptur / Maskenskulptur, 1939 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

49 Maske (Krigens udbrud)  / Mask (Outbreak of War), 1939 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

51 Skulptur (ohne Titel, auch: Skulptur 1940–1946), 1940–1946 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

Von 1940 bis Kriegsende wird Sonja Ferlov Mancobas späterer Ehemann Ernest im Internierungslager La Grande Caserne in Saint-Denis festgehalten. Im Laufe von sechs Jahren, die Mancoba in größter Armut in Paris erlebt, schafft sie diese eindrückliche Skulptur. In der Verdichtung der Form zeigt sich auch die innere Spannung der Künstlerin in der Zeit des Krieges. Das Werk wirkt statisch, abstrakt und – durch die Augen- öffnung – zugleich organisch. Es zählt zu den bedeutendsten Arbeiten Mancobas.

Audioguide #9

53 Skulptur (ohne Titel, auch: Striving Towards the Light / Streben nach dem Licht), 1949 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

55 Den lille nænsomme / Die kleine Sanftmütige, 1951 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

Nach dem Umzug nach Dänemark und der Geburt des Sohnes Wonga erprobt Mancoba neue Techniken. Erneut auf Bornholm arbeitet sie zum ersten Mal mit kleinen Tonstücken, die sie auf der Form zusammendrückt. Die Oberfläche wirkt dadurch weicher und organischer. Für die Künstlerin selbst ist es „eine kleine, gedrungene Figur mit einem Auge“. Diese Augenform entwickelt sie aus Skulptur 1940–1946 weiter, die neue Oberflächenbehandlung hat sie bereits vor dem Krieg im Pariser Atelier ihres Nachbarn Alberto Giacometti kennengelernt.

57 Skulptur (ohne Titel), 1958 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

59 Daggry / Tagesanbruch, 1959 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

64 Ohne Titel, 1960er-Jahre 
Tinte und Ölpastell auf Papier 
Estate Ferlov Mancoba

66 Le combattant / Der Krieger, 1961 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

Da die Familie Mancoba, aufgrund der Hautfarbe von Ernest und Wonga, in Dänemark einem ständigen alltäglichen Rassismus ausgesetzt ist, beschließt sie 1951, nach Frankreich zurückzugehen und sich in dem Dorf Oigny-en-Valois niederzu- lassen. Für fast ein Jahrzehnt sind keine Skulpturen Mancobas überliefert. Mit Le combattant knüpft sie an ihre großformatigen Skulpturen an. Ihre Bildsprache ist nun figurativer und der Krieger als solcher deutlich erkennbar.

Audioguide #11

68 Stille vækst (auch: Croissance silencieuse / Leises Wachstum), 1962 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

70 Ohne Titel, 1964 
Aquarell, Papier, gerissen und collagiert, auf Wellpappe 
SMK Statens Museum for Kunst Kopenhagen, 
The Royal Collection of Graphic Art, Inv. KKS1976-243

Mancoba beschäftigt sich auch in ihrem grafischen Werk mit figurativen und abstrakten Elementen, die zu Tierfiguren und Pflanzenwelten verschmelzen. Jedoch sind es auch hier die überweltlichen Masken, die sie besonders interessieren und die sie in unterschiedlichen Darstellungen erkundet.

72 Solidarité / Solidarität (Hommage à Elise Johansen), 1966 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

„Was wirklich zählt, sind nicht die Skulpturen, sondern der Geist der Gemeinschaft, den man auszudrücken versucht. Ich würde sagen, dass die Dinge selbst nur ein Mittler sind zu dem, wonach man sucht. Der Wert der Werke liegt darin, dass sie einen direkten Bezug zum Leben haben, uns helfen, klarer zu sehen, uns Mut machen und einen Weg weisen, das Leben zu bewältigen. Aber die Werke sind nicht das Leben. Sie sind ein Spiegelbild des Lebens.“
Sonja Ferlov Mancoba, 1970

74 Krigeren / Krieger, 1968 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

76 Skulptur (ohne Titel), um 1970 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

78 Maske og ribben / Maske und Rippen, 1970 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

80 Vogtere af vor arv / Hüter unseres Erbes, 1973 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

82 Skulptur (ohne Titel), um 1975 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

84 Lille sol / Kleine Sonne, 1977–1978 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

86 Maske og figur / Maske und Figur, 1977–1984 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

„Ich spiele mit dem Gedanken, eine Sache mit Masken aus allen Zeiten und von allen Orten zu machen und mich mit Masken als menschlichen Ausdrucksformen zu befassen. D. h. die Masken Ozeaniens und Afrikas usw. den Masken des Mittelalters, den Panzermasken der Renaissance in Europa und was man sonst noch so findet, Helmen mit einem Reichtum an Ausdruck, gegenüberzustellen.“
Sonja Ferlov Mancoba, 1968

Audiogude #12

88 Ohne Titel (Maske med hornøjne / Maske mit Hornaugen), 1983/84 
Gips 
Estate Ferlov Mancoba

90 Squelette de l’esprit / Skelett des Geistes, 1984 
Bronze 
Estate Ferlov Mancoba

92 Studie für Uirapirú, 1940er-Jahre 
Tinte auf Papier 
Private collection, Fortaleza, Brazil

Der Uirapuru ist ein brasilianischer Vogel und die zentrale Figur eines Mythos aus dem Amazonasgebiet: der Geschichte eines Mannes, der sich in einen Vogel verwandelt, um bei der Frau zu sein, die er liebt. Es heißt, der Uirapuru verzaubere durch seinen Klang und nicht durch sein Aussehen. In Martins’ Studie für eine Skulptur – von ihr leicht abgewandelt Uirapirú genannt – scheint ein anthropomorpher Körper im Wind zu flattern, als tanze er im Rhythmus eines Gesangs. In ihrer Interpretation des Mythos jedoch wird der Uirapirú zum Dämon – einem Wesen, das betört und tötet. Die Künstlerin selbst schreibt hierzu: „Er singt und lullt einen in den Schlaf, um schneller zu töten. Er tötet immer.“ Die aus der Studie entstandene Skulptur sorgte mit ihrer Interpretation in surrealistischen Kreisen und darüber hinaus für Aufregung – vielleicht ist dies der Grund, weshalb das Museum of Modern Art in New York 1944 ihren Ankauf ablehnte.

94 Amazonia by Maria, mit Texten von Maria Martins und Jorge Zarur, Ausst.-Kat. Valentine Gallery, New York, 1943 
Collection Francis M. Naumann and Marie T. Keller, Yorktown Heights, New York

96 Ma chanson / Mein Lied, 1944 
Bronze 
Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, CT, 
Inv. 1944.133

In Martins’ neuer Werkphase bleiben zentrale Themen – afro-brasilianische Mythen, religiöse Figuren, Geschlechterprinzipien und Sexualität – erhalten, werden aber durch eine modernere, abstraktere Formensprache erweitert. Dies zeigt sich in Ma chanson: Die grafisch anmutende Figur mit stilisiertem Frauenkopf ruht auf einem Bronzesockel, der an einen Dornenbusch erinnert. Die Stränge symbolisieren Nähe und Distanz, Anziehung und Abstoßung. Charakteristisch für Martins ist die raue, unversiegelte Materialität der Skulptur, beeinflusst durch ihr Studium japanischer Keramiktechniken zehn Jahre zuvor. Sie kreiert Ma chanson in mehreren Varianten, darunter eine Goldbrosche aus ihrer Schmuckkollektion – ein Bindeglied zwischen ihrer Kunst und der Rolle als Diplomatengattin sowie ein Mittel, ein breiteres Publikum zu erreichen.

Audioguide #13

98 The Impossible / Das Unmögliche, nach 1946 
Bronze 
Itaú Bank Collection

The Impossible zählt zu Martins’ bekanntesten Werken. Entstanden in ihrer kreativen Hochphase in New York, verbindet die Skulptur brasilianische Mythologie und Populärkultur mit der Ästhetik der westlichen Moderne. Sie zeigt zwei Körper, die sich scheinbar umarmen wollen, doch ihre Verbindung bleibt spannungsgeladen. Statt eines Kopfes ragen Reißzahnähnliche Tentakel aus konkaven Formen aufeinander zu. Martins thematisiert hier das Spannungsfeld dualer Beziehungen – Liebe und Tod, Begehren und Zerstörung. Dieses Motiv zieht sich durch ihr Werk, etwa in Hasard hagard und Ma chanson. Auch die Entwicklung von The Impossible spiegelt diese Dynamik wider: Zwischen 1944 und 1949 gestaltet Martins mindestens drei Versionen der Skulptur, stets experimentierend mit der Darstellung der aufragenden Körper.

Audioguide #17

100 Prometheus ou: Brûlant de ce qu‘il brûle / Prometheus oder: Brennend an dem, was er verbrennt, 1948 
Bronze 
Private collection, Fortaleza, Brazil

In dieser Skulptur greift Martins die tragische Geschichte des Prometheus aus der griechischen Mythologie auf: Nachdem der Titan den Menschen verbotenerweise das Feuer gebracht hat, wird er von Zeus bestraft, an einen Berg gefesselt und von einem Adler gequält, der täglich von seiner sich erneuernden Leber frisst. Martins’ Bronzeskulptur zeigt eine aufrecht stehende, schmale Figur mit übergroßen Händen, deren lange Finger mit den hinter ihr lodernden Flammen verschmelzen. Das Feuer erinnert zugleich an Äste und Lianen und verweist auf den Amazonaswald – ein wiederkehrendes Motiv in Martins’ Werk. Lianen, die eine invasive Pflanzenart sind, aber essenziell für die Biodiversität der Tropen, sind für die Künstlerin ein Symbol natürlicher Ambivalenz. Diese fragile Balance überträgt sie auf ihre künstlerische Auseinandersetzung mit der Welt.

Audioguide #15

102 Brouillard noir / Schwarzer Nebel, 1949 
Bronze 
Privatsammlung

Die Skulptur Brouillard noir erinnert an ein Skelett – das Gerüst, das den Körper zusammenhält. Mit ihrer Reduktion auf knochenähnliche Strukturen löst sich Martins vom Organischen, betont aber zugleich das Fundament des Körperlichen. Das Werk entsteht 1949, in einer Phase, in der Martins nach Rio de Janeiro zurückkehrt. Dort nimmt sie eine prägende Rolle in der Kunstszene ein, beteiligt sich an der Gründung des Museu de Arte Moderna und unterstützt die Biennale von São Paulo. Brouillard noir, das dem Versuch gleicht, ihrem von Wandel geprägten Leben Halt zu geben, erscheint dabei wie ein ironischer Verweis auf die Vergänglichkeit: Am Ende aller Metamorphosen bleiben nur die dem Körper zugrundeliegenden Knochen übrig.

104 Ohne Titel (O Satori / Die Erleuchtung), 1955 
Tinte und Grafit auf Papier 
Private collection, Fortaleza, Brazil

Die Zeichnung O Satori / Die Erleuchtung ist eine Studie der Skulptur Rito dos Ritmos (1959), die Oscar Niemeyer für den Alvorada-Palast in Brasília in Auftrag gibt. Der Titel O Satori stammt aus dem japanischen Buddhismus und bezeichnet einen Moment plötzlicher Erleuchtung – ein Konzept, mit dem sich Martins während ihrer Aufenthalte in Japan intensiv beschäftigt hat. Sowohl die Zeichnung als auch die Skulptur verbinden das Innere und Äußere durch abstrakte, organische Formen, die sich nach außen strecken und zugleich in der Vertikalen verdichten. Sie entstehen in Martins’ letzten Jahren als Bildhauerin. Bis zu ihrem Tod 1973 bleibt Martins in ihren Funktionen als Kulturattachée und Schriftstellerin eine prägende Figur der Kunstwelt. Sei der documenta 13 2012 erfährt ihr Werk auch in Europa zunehmend Anerkennung, etwa auf der 60. Venedig-Biennale 2024.